Elementy malarstwa

Kolor

Kolor (lub odcień) jest sercem każdego obrazu. Jest to prawdopodobnie najważniejszy element, ponieważ nadaje ton temu, jak widzowie odbierają dzieło. Może być na przykład ciepły i zachęcający lub zimny i surowy. W każdym przypadku kolor może nadać nastrój dziełu.

Malarze mogą bawić się kolorem na nieskończone sposoby. Często artysta może być przyciągany do konkretnej palety, która zwykle definiuje styl całego jego dorobku.

Teoria koloru  jest jednym z kluczy do pracy z kolorem, szczególnie dla malarzy. Każdy nowy kolor, który wprowadzasz na płótno, odgrywa istotną rolę w postrzeganiu dzieła przez widzów.

Kolor można podzielić na odcień, intensywność i wartość. Ponadto wielu artystów decyduje się na pracę z kolorem macierzystym podczas malowania. Jest to konkretny odcień farby, który jest mieszany z każdą farbą, która dotyka płótna i może zapewnić jednolitość.

Ton

Ton i wartość są używane zamiennie w malarstwie. Zasadniczo chodzi o to, jak jasna lub ciemna jest farba, gdy ją zdejmiesz. Zrozumienie, jak jej używać, może znacząco wpłynąć na sposób, w jaki postrzegana jest twoja sztuka.

Każdy kolor farby ma niemal nieskończoną różnorodność dostępnych odcieni. Możesz mieszać go z mediami i neutralnymi farbami, aby dostosować jego odcień w dowolny sposób. Niektóre obrazy mają bardzo ograniczony zakres odcieni, podczas gdy inne zawierają ostre kontrasty odcieni.

W swojej najprostszej postaci ton najlepiej widać w skali szarości : czerń jest najciemniejszą wartością, a biel najjaśniejszą. Dobrze zaokrąglony obraz często ma obie te wartości, a rozjaśnienia i cienie dodają całościowego efektu dzieła.

Linia

Podczas gdy my, rysując, mamy tendencję do myślenia o liniach, malarze również muszą się na nich skupiać. W końcu każde pociągnięcie pędzla tworzy linię.

Linia jest definiowana jako wąska kreska wykonana pędzlem lub linia utworzona w miejscu, gdzie spotykają się dwa obiekty lub elementy. Definiuje temat obrazów i pomaga nam sugerować takie rzeczy, jak ruch.

Malarze powinni również być świadomi różnych typów linii. Wśród nich znajdują się  linie domniemane , czyli takie, które nie są rysowane, ale są domniemane przez pociągnięcia pędzla wokół nich.

Malarze krajobrazowi, w szczególności, często interesują się linią horyzontu. Malarze wszystkich stylów mogą dodać wymiaru do swojej pracy, stosując linie ortogonalne i poprzeczne znajdujące się na rysunkach.

Kształt

Każde dzieło sztuki zawiera element kształtu, który łączy się z linią i przestrzenią. W istocie kształt jest zamkniętym obszarem, który powstaje, gdy linie się spotykają. Gdy kształt ten przyjmuje trzeci wymiar (jak w rzeźbie lub w niektórych mediach mieszanych), wówczas mamy również formę.

Artyści często ćwiczą się w dostrzeganiu kształtów we wszystkim. Rozbijając podstawowe kształty tematu, tworzą jego dokładne przedstawienie w obrazach i rysunkach.

Ponadto kształty mogą być geometryczne lub organiczne. Te pierwsze to trójkąty, kwadraty i koła, które wszyscy znamy. Te drugie to kształty, które nie są dobrze zdefiniowane lub te, które występują w naturze.

Przestrzeń

Przestrzeń (lub objętość) jest kolejnym kluczowym elementem w każdej sztuce i może być używana z wielkim skutkiem w obrazach. Mówiąc o przestrzeni w sztuce, myślimy o równowadze między przestrzenią pozytywną i negatywną.

Przestrzeń pozytywna to sam temat, podczas gdy przestrzeń negatywna to obszar obrazu wokół niego. Artyści mogą bawić się równowagą między tymi dwiema przestrzeniami, aby jeszcze bardziej wpłynąć na sposób, w jaki odbiorcy interpretują ich dzieło.

Na przykład krajobraz z mniejszym drzewem i horyzontem (przestrzeń pozytywna), który pozwala niebu (przestrzeń negatywna) zająć większość płótna, może być bardzo mocnym przekazem. Podobnie, namalowanie portretu, w którym podmiot (pozytywny) patrzy w kierunku przestrzeni negatywnej, może być równie intrygujące, jak wtedy, gdy patrzy prosto na widza.

Tekstura

Obrazy są również idealnym medium do zabawy z fakturą. Można to interpretować jako wzór w obrazie lub same pociągnięcia pędzla.

Niektóre farby, szczególnie olejne, są gęstsze, a sposób ich nakładania na płótno lub deskę może nadać pracy większą głębię ze względu na fakturę. Na przykład, jeśli usuniesz kolor z obrazu Van Gogha i obejrzysz go w czerni i bieli, faktura jego pociągnięć pędzla będzie się dramatycznie wyróżniać. Podobnie, malarstwo impasto opiera się na bardzo głębokich fakturach.

Tekstura może być również wyzwaniem dla malarzy. Odtworzenie błyszczącej powierzchni szkła lub metalu lub szorstkiego dotyku skały może być trudne. To w takich obiektach malarz może polegać na innych elementach sztuki — w szczególności linii, kolorze i tonie — aby jeszcze bardziej zdefiniować fakturę.

Kompozycja

Elementy powyżej są niezbędne do obrazów, choć często dodajemy do listy cztery kolejne elementy. Jednym z najważniejszych dla każdego artysty jest kompozycja.

Kompozycja to układ obrazu. Miejsce umieszczenia tematu, sposób, w jaki elementy tła go wspierają, a także każdy mały element, który dodajesz do płótna, stają się częścią kompozycji. Jest to kluczowe dla postrzegania dzieła.

Istnieją również „elementy kompozycji”, które należy wziąć pod uwagę. Należą do nich jedność, równowaga, ruch, rytm, skupienie, kontrast, wzór i proporcja. Każdy z nich odgrywa ważną rolę w każdym obrazie, dlatego artyści tak wiele czasu poświęcają kompozycji.

Kierunek

W sztuce słowo „kierunek” jest szerokim terminem, który można interpretować na wiele sposobów. Można na przykład uznać format obrazu za część jego kierunku. Płótno pionowe może działać lepiej niż poziome w przypadku niektórych tematów i odwrotnie.

Kierunek może być również używany w odniesieniu do perspektywy . Miejsce umieszczenia obiektów lub sposób ich użycia w stosunku do innych może kierować odbiorcę przez sztukę. W tym sensie jest on również powiązany z ruchem, a kierunek jest ważnym aspektem projektu, niezależnie od medium.

Malarze są również zaniepokojeni kierunkiem światła w swoich obrazach. Wszystkie elementy obrazu muszą być oświetlone z tego samego kierunku, inaczej widzowie będą zdezorientowani. Mogą tego nie zauważać, ale coś ich zaniepokoi, jeśli światła i cienie zmienią się z jednej strony obrazu na drugą.

Rozmiar

„Rozmiar” odnosi się do skali samego obrazu, jak również do skali proporcji poszczególnych elementów obrazu.

Relacje między obiektami mogą również nieświadomie zakłócić percepcję i przyjemność widza. Na przykład jabłko większe od słonia nie jest naturalne. Mniej dramatycznie, oczekujemy, że czyjeś oczy, usta i nos będą miały określoną równowagę wielkości.

Jeśli chodzi o określenie rozmiaru dzieła sztuki, malarze również muszą wziąć pod uwagę wiele rzeczy. Nadwymiarowe obrazy mogą być równie dramatyczne, jak bardzo małe dzieła, a oba mają swoje wyzwania. Ponadto artyści muszą rozważyć, na co może sobie pozwolić docelowy nabywca.

Pod wieloma względami rozmiar jest dla każdego artysty jednym z najważniejszych czynników.

Czas i ruch

Wszystkie inne elementy wpływają na to, jak widz postrzega i patrzy na obraz. To tutaj w grę wchodzą czas i ruch.

Czas można postrzegać jako ilość czasu, jaką widz spędza, patrząc na dzieło. Czy są różne elementy, które wciąż przyciągają jego uwagę? Czy jest to wystarczająco intrygujące, aby zatrzymać się i nie przechodzić dalej obok twojej sztuki? Niewątpliwie jest to jeden z elementów, który niepokoi wielu artystów.

Ruch jest również jednym z elementów kompozycji, choć jego znaczenie nie powinno być pomijane w tej grupie. Odnosi się to do sposobu, w jaki kierujesz wzrokiem widza w obrazie. Umieszczając różne elementy w strategicznych miejscach i włączając inne elementy sztuki, możesz sprawić, że widzowie będą się poruszać po obrazie. To z kolei wydłuża czas, jaki spędzają na oglądaniu.